Dopo aver affrontato l’argomento dello scarabocchio e dell’evoluzione del disegno,  ci soffermiamo sull’analisi del disegno della figura umana quale indice psicopedagocico del bambino.

Infatti, nel disegnare la figura umana il bambino rappresenta in maniera inconscia se stesso e questo ci informa su come percepisce il proprio schema corporeo e i desideri che l’accompagnano, quindi l’analisi deve cogliere sia gli aspetti generali della personalità, sia alcune particolarità che possono aiutare a comprendere il perché del suo comportamento.

La COLLOCAZIONE sul foglio segue la regola interpretativa del simbolismo spaziale, che assegna a ogni zona del foglio inteso come spazio-ambiente un significato specifico:

– la figura umana è eseguita con buona collocazione nello spazio, ben proporzionata nelle forme: buon adattamento alla realtà circostante, crescita ben equilibrata

– il bambino disegna un omino piccolo, in fondo al foglio, con un tratto debole e tremolante: senso di inferiorità, sottovalutazione di sé rispetto ai coetanei;

– l’assenza o la non corretta collocazione di alcuni organi o parti del corpo umano, le cancellature ricorrenti, le interruzioni del tratto, le evanescenze: insicurezza, poca stima e fiducia in se tesso;

La scelta di collocare il disegno nelle varie zone del foglio dipende dalle caratteristiche psicologiche di base e dallo stato emotivo-affettivo del momento in cui il bambino esegue il disegno: un disegno posto in alto a sinistra indica sia la tendenza di legarsi ai ricordi, sia la timidezza o l’inibizione causata da esperienze negative. Chi preferisce usare la zona sinistra è immediato nell’espressione, partecipativo, fortemente legato alla madre; chi disegna a destra è meno espansivo e ha tanta voglia di crescere. Per la suddivisione verticale, i bambini più piccoli tendono ad usare la zona inferiore, perché li fa sentire più sicuri e protetti, per passare poi verso i 3-4 anni a quella centrale che occupano tutta dopo i 6-7 anni.

LA DIMENSIONE su un foglio formato standard 21×29,7 va considerata dall’apice della testa, compresi i capelli ed eventuale cappello, fino ai piedi ed è direttamente correlata alla percezione di sé del bambino:

dimensione piccola: bassa autostima, timidezza, timore del confronto

dimensione grande (più di metà del foglio): sicurezza e fiducia in sé , nei casi estremi, invadenza

dimensione corretta (8-18 cm.): subisce variazioni con l’età e presenta differenziazioni fra i sessi

Nei primi anni i maschi tendono a fare figure più grandi delle bambine le quali aumentano progressivamente e in modo costante le dimensioni fino a disegnare figure più grandi , nella pubertà, rispetto ai coetanei maschi, quando diventa forte il desiderio di piacere. La crescita delle dimensioni del disegno nei maschi presenta due momenti critici: verso i 5-6 anni e nella pubertà. Il primo si manifesta in concomitanza del passaggio dalla fase fallica al periodo di latenza e con la formazione del SuperEgo: ciò comporta l’evoluzione del processo di identificazione con una maggior consapevolezza di sé e dei propri limiti. Il secondo momento critico avviene nell’età puberale causato dalla paura di crescere e doversi staccare dalla madre e nel contempo dover rinunciare ai privilegi dell’età infantile: si attua una sorta di regressione segnalata dalla diminuzione delle dimensioni della figura umana.

LE PROPORZIONI riguardano il rapporto tra le varie parti fisiche del corpo nel suo insieme (occhi-viso, mani- braccia, tronco-gambe, ecc…); la giusta proporzionalità viene acquisita nel tempo, con l’evolversi della maturazione grafica che va di pari passo con la maturazione psicofisica. La capacità di eseguire figure umane con le giuste proporzioni viene fatta risalire ai 7 anni circa , quando il bambino acquisisce la capacità di osservare criticamente il proprio lavoro (realismo visivo per Luquet e stadio delle operazioni concrete per J. Piaget). Tuttavia quando le sproporzioni sono evidenti o addirittura eccessive, esse acquistano particolare significato anche in età precedente. Di particolare significato sono:

• la testa grande: bisogno nutritivo e di comunicazione, anche esibizionismo;

• la testa piccola: problemi connessi col nutrimento nelle prime fasi della vita;

• il collo lungo: necessità di esplorare, ma anche sogni e fantasticherie gratificanti;

• le braccia lunghe: bisogno di comunicare e di abbracciare, ma, se accompagnate da mani ad artiglio o con numerose dita o chiuse a pugno, denti molto evidenti, bocca marcata fortemente e rossa, possono essere segno sia di aggressività mal controllata che subita;

• le braccia corte: timidezza, insicurezza, bisogno di rassicurazione;

• le mani grandi: bisogno di scambi affettivi, ma anche voglia di picchiare gli altri;

• le gambe lunghe: bisogno di stabilità, se troppo lunghe indicano il desiderio di raggiungere una figura adulta che viene vissuta come ‘modello’;

• le gambe corte: indole pratica, tenuta fisica;

• gli occhi grandi: curiosità per le cose e per i sentimenti di chi gli sta intorno.

IL TRATTO GRAFICO

IL termine ‘tratto’ è qui usato in senso grafologico; la gestione del tratto può essere continua e fluida, oppure frammentata, il segno può essere curvo o angoloso, leggero o appoggiato… Bisogna fare molta attenzione alla punta della matita, della penna o del pennarello usati e, possibilmente osservare più disegni eseguiti in giorni diversi. Il tratto ci consente di cogliere alcuni aspetti costituzionali del bambino, oltre che a poter individuare la presenza di interferenze emotive di provenienza sia interna che esterna. Più specificamente:

– tratto curvo: notevole capacità di adattamento a situazioni nuove, dipendenza dal consenso e dall’approvazione dell’ambiente circostante;

– tratto dritto: desiderio di far prevalere la propria volontà e tenacia sull’improvvisazione, maggior difficoltà a manifestare i propri sentimenti, ma anche, in presenza di un’angolosità accentuata, aggressività e opposizione.

Elisabetta Agnoloni

Qualche anno fa iniziai questo percorso, lungo e difficile, che ancora ovviamente continua, per avvicinarmi allo studio della grafologia, scienza umana che analizza l’ atto dello scrivere.

Ma cos’è scrivere?

Scrivere è parlare di sé. Noi , raccontiamo in un gesto che appare automatico, ed in parte lo è, un segno di ciò che siamo. E’ un’esigenza che l’essere umano, da sempre, ha avvertito: lasciare un’impronta a testimonianza del proprio passaggio in questa vita.

Tale esigenza viene manifestata fin dalla più tenera età, quando per la prima volta, con gioia e con stupore, si afferra, si impugna, una matita, un colore, un pastello ed ecco che appaiono i primi segni grafici, le prime titubanti ed ancora acerbe parti del nostro essere, parti che esprimiamo al di fuori di noi.

In questo momento storico che stiamo vivendo dove la tecnologia appare sempre più soppiantare le attitudini umane, parlare di calligrafia può sembrare anacronistico, fuori tempo. Ma è proprio ora, invece, che si avverte l’esigenza , soprattutto per i bambini ed i ragazzi, di tornare a curare il gesto grafico poiché molti di essi, e anche qualche giovane adulto, trovano difficoltà a comporre con fluidità e scioltezza quei gesti che poi nel foglio compongono la nostra calligrafia. Alcuni di questi bambini e ragazzi devono infatti tornare a “reimparare” la scrittura ed i gesti che occorrono per comporla.

Anche io ho avuto occasione di aiutare un ragazzo, quasi adolescente, a cercare di capire come comporre con scioltezza i gesti grafici.

Abbiamo ripercorso, insieme, un sentiero all’indietro nel tempo, ricominciando con i colori, con le matite, con i pastelli a comporre prima semplici gesti (cerchi, onde, ghirlande) poi nel tempo gesti sempre più legati per portarlo poi a comporre intere parole.

E’ stata una bellissima esperienza vedere questo ragazzo riprendere contatto con la carta, con i colori, con le sensazioni del braccio e della mobilità della mano che si risvegliavano attraverso un un percorso sensoriale.

Nel corso delle esercitazioni l’allievo  si è sporcato con i colori – i suoi colori preferiti che lo rappresentavano – ha sentito il rumore prodotto dalla matita sulla carta paragonandolo ad un ritmo dolce e distensivo, ha sentito lo spessore della carta, la sua ruvidezza o la sua patinatura.

Di conseguenza, sono stati sollecitati tutti i sensi, risvegliandoli e percependo, in tal modo, sensazioni, emozioni che forse si erano assopite. Tutto ciò ha portato ad una maggiore sensibilità e ad affinare doti e qualità forse non ancora scoperte che vanno ad aumentare il nostro potenziale, il nostro tesoro nascosto che, soprattutto in una personalità in via di sviluppo, può essere fonte di grandi energie.

Ecco perché vale la pena scrivere!

Claudia Ducci

Grafologa ed esperta dell’età evolutiva

In Italia nell’anno 2014 il valore economico dei beni d’arte sequestrati perché ritenuti contraffatti è stato stimato in circa 427 milioni di Euro.

Nel caso delle opere d’arte la truffa si basa nella stragrande maggioranza dei casi sulla falsa realizzazione o riproduzione di opere attribuendole ad artisti conosciuti e ben valutati sul mercato, corredandole da certificati di garanzia e spesso da expertise altrettanto falsi.

La scoperta dell’opera contraffatta avviene molte volte a distanza di un notevole lasso di tempo dall’acquisto quando il compratore decide a sua volta di rivenderla oppure semplicemente di mostrarla in pubblico, attraverso il coinvolgimento di esperti d’arte conoscitori delle tecniche esecutive e grafiche dell’artista oppure da parte dei rappresentanti delle fondazioni del medesimo autore costituitesi alla sua morte, in cui trovano collocazione in primis gli eredi.

Il riconoscimento della mano dell’artista nella realizzazione dell’opera e della sua firma risulta sovente demandata a soggetti privati che nel certificare l’autenticità o meno del bene d’arte ed assumersi l’onere di attribuire un dipinto ad un autore ben quotato come ad esempio Warhol determinano di fatto un valore che può variare da qualche milione di euro a poche centinaia di euro ovvero nel caso di un falso al costo vivo del materiale utilizzato (tela, colori, etc.).

Si tratta di un responso con effetti economicamente rilevanti con distanze a volte abissali tra il valore venale dell’opera originale e la copia, proveniente da consulenti o rappresentanti di fondazioni privi del requisito della terzietà o comunque non collocati al di sopra delle parti in causa.

In questo contesto così complesso in cui si mescolano arte, cultura, finanza e malaffare ove si muovono in vario modo artisti, storici e studiosi dell’arte, commercianti e imprenditori di vario genere e caratura, è giusto domandarsi se il professionista grafologo possa ricoprire un ruolo più o meno determinante nel discernere l’autentico dal falso.

Per rispondere a tono a questa domanda occorre comprendere su quale materiale il consulente grafologo incaricato potrà rivolgere le sue indagini.

Nella prassi, l’autore suole firmare i propri dipinti in vari modi mediante una sigla più o meno complessa apposta con gli stessi utensili impiegati per dipingere l’opera oppure attraverso l’utilizzo di pennarelli o oggetti similari per scrivere sul retro del dipinto una dedica personalizzata.

In questo caso il consulente grafologo rivolgerà la sua attenzione direttamente sull’opera da esaminare avendo cura di procurarsi l’indispensabile campionario di scritture e firme per l’analisi comparativa. La difficoltà di poter disporre di un adeguato quantitativo di materiale di raffronto potrebbe perciò rappresentare un evidente limite al suo operato, ma il medesimo discorso vale anche per le altre figure professionali di esperti chiamati a pronunciarsi in proposito.

Altri documenti sui quali il consulente grafologo potrà provare ad espletare le proprie indagini con costrutto sono rappresentati dai certificati di garanzia di autenticità dell’opera rilasciate a firma dai galleristi o commercianti autorizzati ed infine dall’expertise sottoscritte da esperti d’arte.

In conclusione si può affermare che l’operato del consulente grafologo in questo ambito di indagine, ovvero dei falsi d’autore, possa trovare una valida applicazione potendo fornire risposte altamente qualificate e professionali.

Roberto Colasanti

Scrittura e disegno, oltre che essere due modalità grafiche di comunicazione, sono due forme di espressione della personalità di chi disegna e/o scrive; da tempo scienze umane come la psicologia e la grafologia, ognuna nel proprio ambito di studio, ricerca e applicazione, hanno compreso l’utilità dell’analisi della produzione grafica dell’essere umano allo scopo di comprenderne le problematiche esistenziali.

L’analisi psicologica e grafologica di scarabocchi e disegni dei bambini, anche prima che essi imparino a scrivere, è un utile strumento per comprendere comportamenti e caratteristiche di sviluppo nei primi anni di vita, quando ancora il piccolo dell’uomo non sa esprime adeguatamente con le parole sensazioni e sentimenti che riguardano il suo vissuto.

In effetti qualsiasi adulto che si trovi di fronte a un bambino che si cimenta a scarabocchiare si sofferma affascinato ad osservare tentativi, sforzi, ma soprattutto il coinvolgimento totale con cui il bambino si impegna nel suo compito. E lo stupore che coglie le persone quando hanno la ventura di vedere dal vivo i segni che gli uomini primitivi hanno tracciato nelle caverne o sulle rupi, con le mani impastate prima nell’argilla o con le punte taglienti dei sassi o coi tizzoni carbonizzati dal fuoco, è molto simile a quello che invade gli adulti quando vedono un bambino piccolo tracciare per la prima volta con matite o pennarelli dei segni su un foglio.

Forse è lo stesso stupore che prova il bambino nell’accorgersi che può lasciare dei segni che rimangono fissi, non scompaiono e, appena se ne distacca, diventano altro da lui. Lasciando quei segni sul foglio, si accorge di esistere, di essere una cosa separata dal mondo circostante: quei segni sono i testimoni della sua presenza, del suo esserci nel mondo. Pur senza esserne consapevole, inizia in quel fatidico momento il suo cammino nel mondo dei simboli.

LO SCARABOCCHIO

Già a partire dal primo anno di vita i bambini, se sono messi in condizione di poterlo fare, amano utilizzare matite, pennarelli, oltre che le proprie mani, su qualunque superficie sia disponibile. Si tratta solo di un esercizio motorio? Vi è in questi disegni un intento rappresentativo e comunicativo? E’ difficile dirlo; forse inizialmente vi è solo la necessità di scaricare all’esterno energie pulsionali e solo in un secondo momento , spesso alla domanda dell’adulto che chiede “Che cos’è?”, il bambino attribuisce al disegno un qualche significato. Tuttavia queste sollecitazioni dell’adulto, nel tempo spingono il bambino a provare a vedere che cosa vien fuori facendo questi segni, per poi scoprire, contento, che quanto ha fatto rappresenta pur qualcosa.

La fase dello scarabocchio dura solitamente da 1 a 3 anni e viene chiamata da Luquet, psicologo e studioso del disegno infantile, REALISMO FORTUITO, per indicare, appunto che eventuali risultati non sono frutto di intenzionalità, ma di una ‘ scoperta’ successiva.

Si entra poi in una fase che vede il passaggio dallo scarabocchio al disegno, fase che Luquet chiama del REALISMO MANCATO , caratterizzata da intenzionalità rappresentativa . Il bambino cioè, fin dall’inizio cerca di rappresentare qualcosa , ma egli ha desideri, intenzioni ed aspettative superiori ai risultati ( o almeno così lui li valuta). Può così succedere che egli ci dica che vuol fare un’automobile, ma che poi, osservando a metà strada che cosa sta facendo, egli cambi idea e ci dica che sta facendo una barca, per cambiare idea ancora. Quella del realismo mancato è una fase molto delicata: il bambino può vivere in modo molto frustrante i comportamenti dell’adulto che sottolineano le sue incapacità.

IL DISEGNO ATTRAVERSO SCHEMI

Proprio sulla base dell’esperienza precedente il bambino, in una fase successiva, può trovar fiducia disegnando le cose che ha imparato a far bene. Un soggetto tipico è la figura umana rappresentata in modo caratteristico dai 3 anni, anche prima, l’ “omino testone”: un cerchio che rappresenta la testa (ma in un certo senso anche il corpo) con i particolari degli occhi e della bocca (a volte con il naso , le orecchie e i capelli), a cui sono attaccate direttamente braccia e gambe, disegnate in un sol tratto ciascuna e che non sempre finiscono con mani e piedi. Tra i 4 e i 6/7 anni la figura umana viene rappresentata con altri particolari: gambe e braccia con tratto doppio, il collo tra testa e corpo, i vestiti; inoltre compare lo sfondo e la scena si arricchisce di altri elementi, soprattutto case, animali, alberi, fiori, automobili e, in alto, il sole. Le figure tendono ad essere schematiche e statiche, in posizione frontale, senza rispetto delle proporzioni.

Tutto ciò è coerente con il pensiero intuitivo tipico della fase preoperatoria (Piaget): il bambino è in grado di effettuare collegamenti, corrispondenze, ecc…, ma in forma limitata perché riesce con difficoltà a coordinare fra loro due o più rapporti ( altezza, larghezza, profondità, lontananza, vicinanza…). Inoltre il bambino non disegna ciò che vede, ma ciò che sa e ricorda e questo ha portato alla definizione di Luquet di REALIMO INTELLETTUALE: ad esempio, il bambino può disegnare le abitazioni in cui si vedono dal di fuori gli interni, o il bambino nella pancia della mamma.

IL DISEGNO DELLA REALTA’

Verso gli 8-9 anni il bambino cerca di rispettare il più possibile la realtà così come essa è visibile da un particolare punto di vista. Inizia la fase del REALISMO VISIVO (Luquet) in cui appaiono i primi tentativi di rappresentare il movimento, le persone vengono disegnate anche di profilo e i sessi vengono differenziati sia nelle forme che nell’abbigliamento e nel trucco. Con l’adolescenza, a partire da 11-12 anni inizia una particolare attenzione alla prospettiva e aumenta anche l’interesse decorativo. La valutazione delle proprie capacità può essere tale da indurre il ragazzo a ritenersi ‘negato’ per il disegno tanto da smettere di disegnare o limitarsi a disegni di tipo geometrico.

CONCLUSIONE

Questo veloce excursus sulle modalità di evoluzione del disegno infantile serve a chiarire a chiunque voglia avventurarsi nell’interpretazione grafologica degli elaborati infantili, come egli debba prescindere dall’aderenza alla realtà figurativa dell’adulto; ormai sappiamo, attraverso la ricerca psicologica, che c’è dell’altro nel disegno del bambino: egli attraverso tracce grafiche e colori ci svela una parte del suo mondo e di se stesso, perché vi ha trasferito attraverso il segno impulsi ed idee che via via sa organizzare e ad esprimere in modo che gli altri possano comprenderle.

Elisabetta Agnoloni

Psicopedagogista, insegnante grafologa esperta dell’età evolutiva,

già docente di filosofia, psicologia e scienze pedagogiche nei Licei